Proyecto de investigación que revisa los años 90 en el Estado español. El trabajo de los artistas gira en torno a la capacidad de destrucción del neoliberalismo, la auto-representación de una España “moderna” donde la espectacularidad y la corrupción son festejadas en macro-eventos de cartón piedra; pero al mismo tiempo la plaga de la heroína y la crisis del sida son grandes preocupaciones.
    El catálogo da continuidad a la identidad de la exposición a través del formato. Sólo dos pliegos pero de un tamaño muy generoso, Din A2, a una sola tinta, sin encuadernación y doble plegado. Se ha usado la tipografía Venus SB con un corte irregular que representa el momento “anti-tipográfico” que se vivió en el diseño de la época.

Proyecto de investigación que revisa los años 90 en el Estado español. El trabajo de los artistas gira en torno a la capacidad de destrucción del neoliberalismo, la autorepresentación de una España “moderna” donde la espectacularidad y la corrupción son festejadas en macroeventos de cartón piedra; pero al mismo tiempo la plaga de la heroína y la crisis del sida son dos grandes preocupaciones sociales.
    El diseño encuentra inspiración en las formas de autoexpresión populares de los años 90. El fanzine representaba el lenguaje de muchos colectivos comprometidos con lo político-social. El elemento gráfico identificador son las herramientas y materiales que estaban a su alcance.
    Así como April German hizo en los años 90 un póster de una mujer a tamaño natural, yo decidí imprimir el título principal de 9 metros en una impresora tamaño A3 aportando así el concepto de escala. Cada hoja A3 está encolada al muro como una expresión callejera.
    Artistas: Irene de Andrés, Jacobo Bugarín, Alán Carrasco, Lúa Coderch, Franco Moragues, Rafa M. Mota, Ignacio Navas, colectivo N.I.E, María Ruido, Andrés Senra i Archivo Queer.

Exposición colectiva de siete artistas emergentes sin un tema en común. El comisario de la exposición me propuso reflejar la complejidad en la organización del evento como esencia misma de la exposición.
    La propuesta de diseño surge del hecho que la exposición convierte a cada artista en profesionales. Se parte de una caligrafía totalmente amateur, se escanea y se traslada a una imprenta offset profesional con un papel amarillo cítrico. Se hicieron 1.000 carteles y su utilizaron algunos sobre un muro de 12 metros.

Geología de lo inefable es una exposición sobre minerales o mejor dicho, sobre autores que a través de ellos nos hacen reflexionar. Temas como el misterio, la fantasía, el miedo o las supersticiones son evocados a través de minerales. Lo inefable, lo indecible, es lo que es imposible de explicar con palabras.
    La identidad de la exposición se basa en la idea de construcción de un símbolo, un icono. El título se compone en forma de tótem tipográfico que separa las sílabas por su etimología y no según su ortografía evocando así otros significados posibles…
    En el catálogo, se imprime una obra por autor. Cada una de ellas está diseñada como una ficha coleccionable. Esto sirve para que las portadas puedan ser intercambiables y todos los autores puedan estar en la portada dependiendo del orden en el que organicemos las fichas. Esto tiene dos propósitos: por un lado, la referencia a la recolección, muy presente en las obras de los artistas y por otro lado, para democratizar el protagonismo de cada artista.
    Además de las fotos se incluye un texto del colectivo WIDEPHOTO. Todo está agrupado por un fastener plateado. Artistas: Aleix Plademunt, Alberto Feijóo, Bego Antón, Guillermo Ros, Johan Rosenmunthe y Jordi Mitjà.

Diana es fisioterapeuta especializada. La fisioterapia a diferencia de otras medicinas, afecta a los problemas del cuerpo tocando directamente allí, donde este se encuentra. Jugando con esta dualidad se construye un logotipo sencillo y versátil.
    Igual que los músculos, las letras se expanden y se contraen. Utilizando la tipografía Univers se construye un logotipo serio, con una imagen muy profesional.
    Para contrastar con ello, se añade el concepto piel en la papelería. Basándome en la idea de que cada persona tiene un tono de piel distinto.
    Para enriquecer la marca, se añade una idea de dirección de arte para otros soportes. Continuando la idea principal, se piensa en fotografías de partes del cuerpo muy ampliadas, que reproducen las curvas del cuerpo humano. Las fotorgrafías serán impresas sobre finas telas sedosas que se cuelgan como comunicación exterior en las ventanas del local.

*Fotografías ejemplo tomadas de Haw-lin.

Departamento Sephora España.
   

El Centro de Cultura Contemporánea
de Barcelona CCCB, es uno de los lugares de referencia más importantes de la ciudad. Más que un museo de arte contemporáneo es un centro de creación, divulgación de ideas y un archivo cultural. A diferencia de otros museos contemporáneos de la ciudad, está integrado arquitectónicamente con el barrio del Raval.
    El enfoque del proyecto es dar continuidad a la identidad gráfica existente además de aportar un enfoque más periodístico. Máximo contraste entre pesos tipográficos y mucho blanco y negro rotundo. Importancia de los nombres de las personas en la jerarquía tipográfica y una nueva estructura más funcional. El uso del color da continuidad a la arquitectura del edificio respetando lo existente.

¿Se puede definir la belleza en diseño? ¿Existe lo feo? ¿Es internet el impulsor de esta nueva forma de diseñar? ¿Ha sido la intrusión de los aficionados lo que ha provocado una ruptura de las normas? ¿Es generadora la controversia? ¿Hasta qué punto es una provocación? ¿Es la tendencia hacia la estética de los años ochenta y noventa la fascinación por una época? O ¿Son las bases culturales de una generación?
    Diseño puro que cuestiona la belleza a través del juego ambiguo de las normas editoriales, así como el cuidado uso de los materiales.
    Más de 250 ejemplares vendidos. Distribuido en La Central del Reina Sofía Madrid, La Central del Raval Barcelona y Laie librería CCCB y MACBA de Barcelona.

Melimelú es una mermelada artesana que se produce en serie limitada. La identidad está construida desde cero. El naming parte de la modificación de la palabra latina “melimelum”, de la que proviene la palabra mermelada. Se eliminó la “m” para eliminar el efecto antiguo del latín. Melimelú es una palabra simétrica que además tiene una dulce sonoridad.
    Stempel Schneidler es una tipografía antigua que conserva trazos de la escritura manual como la apertura de sus “e”. Visualmente cálida y cercana gracias a la fluidez de sus curvas enfatizadas por un tracking apretado.

Banke Hotel está ubicado en París y pertenece al grupo Derby Hotels Collection. Son unos hoteles de lujo con una estética clásica y barroca. La identidad está basada en sus impresionantes fachadas con infinidad de detalles. No pidieron promocionar el hotel y el restaurante con dos piezas impresas.
    El diseño hace un ejercicio de estilo clásico francés. Imaginando un objeto que pudiera integrarse entre moquetas aterciopeladas, maderas nobles y esculturas de mármol. Se logra a través de la composición, la tipografía y el color. Se mezclan 3 tipográficas, incluida una en versalitas. Que lo dota de cierto barroquismo tipográfico. Para el color se elige uno vainilla suave para el restaurante y uno menta ligera para el bar. En la imprenta se crean los dos tarjetones y se contracolan entre sí para promocionar al mismo tiempo ambos lugares del mismo Hotel.

Compartir y aprender con amigos me hace feliz. Beige es un proyecto colaborativo sobre un trabajo del arquitecto Ricardo Bofill y sus cambios. Construido en 1968 como un edificio vanguardista en el que hoy viven familias de clase trabajadora que han deconstruido la idea original del arquitecto.
    La portada recubre la publicación con una camisa, a modo de pluging. En ella encontramos fotos del presente por una cara y del pasado por la otra. La publicación incluye la reflexión onírica de Oriol Ocaña. El proyecto muestra también fotos de la época en su interior y un texto que reflexiona acerca de habitar el diseño.
    Investigación por Redenou, texto de Oriol Ocaña. Edicción de Adolfo Press.

El diseño gráfico está presente en todas las capas de mi vida, amo el diseño gráfico. Muchas de las cosas que hice fueron gracias a esta pasión. “He is not here” es una pequeña pieza impresa para enviar a estudios y clientes que muestra qué tipo de persona soy.